Eliza Au | Infinite Measure

Eliza Au est originaire de Vancouver (C.-B.). Elle a obtenu son diplôme de baccalauréat en beaux-arts du collège d’art et de design de la Nouvelle-Écosse et a fait ses études de maîtrise en beaux-arts au collège de céramique de l’État de New York à l’université Alfred. Elle a été boursière du Conseil des arts du Canada et a enseigné dans divers établissements au Canada et aux États-Unis, dont l’université d’art et de design Emily Carr, le collège d’art et de design de l’Alberta et l’université de l’Iowa. Elle a participé à des résidences à la fondation Archie Bray pour les arts de la céramique de Helena (Montana), au studio de poterie Greenwich House de New York (New York), au musée d’artisanat contemporain de Portland (Oregon) et au musée du verre de Corning (New York). Elle est actuellement professeure invitée au collège de Monmouth, en Illinois, pour l’année universitaire 2016-2017.

Eliza Au

Déclaration de l’artiste

Le titre, Mesure infinie, peut faire référence à la position et aux coordonnées x, y et z de l’objet, ainsi qu’à la façon dont les mouvements de l’observateur modifient ce qu’il voit. Le mot « mesure » nous porte aussi à faire l’étude des méthodes d’analyse de notre expérience du monde, en plus de refléter le désir très humain de mesurer la nature en fonction de notre corps.

L’observation de ces œuvres est une activité méditative. La complexité nous encourage à nous perdre dans l’entrelacement des aspects géométriques et à contempler la notion de l’infini. Celle-ci est représentée de diverses façons. D’abord, par le motif répétitif qui évoque le symbole de l’infinité, la lemniscate. Ensuite, par la structure de l’œuvre d’art, qui suggère une grille modulaire ou un mouvement circulaire, cyclique. Enfin, par la relation entre le bidimensionnel et le tridimensionnel, quand les motifs en plans sont disposés l’un à la suite de l’autre, ou sur les plans des x, des y et des z.

Les objets faisant partie de cette exposition s’apparentent aux jalis ou aux écrans perforés, qui permettent au regard du spectateur de passer de l’extérieur à l’intérieur de l’objet, vers la multiplicité d’ombres créées par l’éclairage directionnel. L’exposition proposée explore plusieurs frontières conceptuelles : la frontière entre l’ancien et le nouveau — l’ancien étant représenté par des motifs répétitifs en arabesque qui évoquent le design islamique et le nouveau par la technologie numérique employée pour concevoir et réaliser les objets —, la frontière entre les matériaux — soit le verre, la céramique et l’allusion au fer forgé —, et la frontière entre l’architecture et l’industrie, d’une part, et l’artisanat ainsi que les objets fabriqués à la main, de l’autre.

Je produis des formes qui agissent comme des lignes dans l’espace et des motifs qui se reflètent et se reproduisent les uns les autres dans une sorte de danse, de mitose artificielle. Le fait de travailler au moyen de la conception assistée par ordinateur (CAO) change la façon dont je crée et visualise les œuvres. L’espace liminal entre l’ordre et la complexité constitue une marge où le jeu et la découverte sont possibles grâce aux règles des algorithmes et de la conception paramétrique. L’interface numérique offre ses propres surfaces et textures intrinsèques, comme la structure filaire, les pixels et les surfaces maillées que nous percevons visuellement. Les processus de conception et de production sont coordonnés, les traits dessinés en mode CAO étant gravés dans le bois, puis moulés dans l’argile. Je cherche à transposer la structure filaire dans le monde physique en employant les processus de l’artisanat, comme la préparation de moules en plâtre et l’estampage de l’argile.

Les motifs que j’élabore ont un lien étroit avec l’art ornemental historique, plus particulièrement avec les motifs en arabesque. Je m’intéresse au parallèle qu’établit l’arabesque entre les motifs islamiques traditionnels et la structure filaire contemporaine de la CAO. La structure sous-jacente de la grille polaire et de la grille carrée sert de cadre à la création de mes motifs. L’application de la structure filaire à l’argile rend la structure et l’ornement inséparable. Je flirte avec l’impossible en aplanissant l’argile en feuilles minces, sinueuses et perforées, ce qui me permet de construire des structures qui évoquent la fluidité et rappellent l’architecture contemporaine. L’utilisation de lignes ondoyantes pour définir la structure et l’espace reflète la culture générale, qui considère cette esthétique comme une métaphore du progrès et de l’avenir. Un rythme méditatif émerge de la répétition de l’arabesque dans le motif et de la répétition des plans bidimensionnels. La régularité des plans perforés suscite un sentiment d’aise et de légèreté. Les objets ainsi créés semblent dissociés de la masse et de la forme, l’œuvre étant définie par l’espace négatif autant que par l’espace positif. La couleur et la composition produisent des dualités formelles, notamment par l’utilisation du noir et du blanc, du chaud et du froid, ainsi que des dégradés.

Par mon travail, j’explore la façon dont les ornements architecturaux anciens et actuels participent à la notion de l’espace sacré. L’ornementation et l’abstraction ont une étroite relation, l’ornementation constituant à la fois un stimulus visuel et un véhicule pour les normes et les idéaux d’une société. Historiquement, l’ornementation architecturale des mosquées islamiques établissait un lien entre la répétition infinie et la divinité. De nos jours, la ligne fluide, la complexité et l’ornementation sont réapparues en architecture contemporaine, entre autres dans les œuvres de Mark Foster Gage et d’Evan Douglis, mais sans aspect religieux explicite; elles représentent plutôt des idéaux utopiques relativement à la société.

Ce qui me motive à créer ce type d’œuvres, c’est l’élégance, la beauté et l’équilibre que représentent pour moi les relations mathématiques et qui, selon moi, s’adaptent bien aux défis techniques de l’argile. De mon point de vue, ma démarche est similaire à la résolution d’une équation mathématique. Je tire ma satisfaction de la découverte de nouvelles voies, de nouvelles preuves qui mènent vers de nouvelles expériences esthétiques. Mon travail se fondant sur la géométrie, les processus numériques me permettent de créer un nombre infini de variations à l’intérieur d’un champ de jeu grand ouvert. Mon travail constitue également un exutoire à mon besoin de découvrir, de prendre part à l’acte méditatif qu’est la création, mais sans lien direct avec la croyance religieuse. Notre époque est comme toutes les autres époques avant elle : la technologie actuelle nous sert à réinterpréter l’ornementation de nos ancêtres et à adapter à nos besoins le sens qu’ils lui donnaient. Dans cette perspective, le squelette peut nous servir de métaphore pour l’ornementation; il est la colonne vertébrale de notre identité et, grâce à l’abstraction, il présente des sens codifiés concernant la production et les valeurs culturelles.